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Interview with Nick Barstow, composer of A Christmas Carol at the Middle Temple Hall

A Christmas Carol combines the ghostly tale of miser Ebenezer Scrooge with a score of original songs inspired by the carols of a traditional Victorian Christmas. We have spoken with Nick Barstow, the composer of the songs of this wonderful musical that will be performed this Christmas in the Middle Temple Hall, a location well known to Dickens himself.


  1. Could you tell us about the songs and style of music in A Christmas Carol?

All the melodies in the show are based on Victorian carol tunes. Most will be familiar, but some may not be, and there’s around twenty different tunes woven into it altogether. They aren’t sung just as carols however; each tune has been rearranged with reworked with new lyrics so they are full of Dickensian wit and atmosphere. They really tell the story and create wonderful moments of drama.


  1. What can we expect from this production and the musical numbers?

We are lucky to have a fabulous cast of multi-talented actor-musicians. I’ve got so many instruments to play with, which is a novelty and a joy! All the actor-musician work comes from the idea of busking and street music, so expect lots of fiddle, flute, accordion and Salvation Army-style brass. Together with the ensemble vocals from our 16-strong cast, it makes such an amazing sound in Middle Temple Hall. It’s a good job they’ve just restored the roof or else I worry we’d lift it off!


  1. How was the process of creating the songs for A Christmas Carol? What inspired you?

Although the novella itself is very short, there are still some wonderful passages of description that create such a perfect, vivid image of Victorian London. Turning those descriptions into musical atmosphere was such fun. My favourite scenes are the ones most people forget and get cut from many adaptations – there’s a wonderful storybook scene where a Young Ebenezer meets Ali Baba and Robin Hood, and another where the Ghost of Christmas Present takes Scrooge to a lighthouse and then out to sea. Turning those to music was a joy.


  1. A Christmas Carol has been seen already by over 7,000 people. How does the audience react and what are you hoping they will take away?

People are always surprised how fresh and original the story seems. Although everyone knows it well, everyone knows a specific version – everyone from Blackadder to the Muppets has had a go after all – and I think ours is perhaps the most faithful to the tone and spirit of the book just lifted to life with the music, stunning costumes and the amazing setting. It’s really special to take theatre out of a ‘theatre’ and create inside a proper historical space.


  1. This is a festive classic by Charles Dickens. What makes it so special and beloved by all generations?

The theme of the story will never grow old, and neither will Scrooge – as villainous as he is, everyone understands him. All of us know we can be kinder to each other, and all of us need to be reminded of the value of that every now and again. This story does so in such a magical way – I couldn’t imagine Christmas without it.

Antic Disposition’s A Christmas Carol runs at Middle Temple Hall from 22 – 30 December.


Interview with Alexandra Spencer-Jones, writer and director of The Lost Boy Peter Pan (Pleasance Theatre, 39 November – 7 January)

Alexandra Spencer-Jones, from Liverpool, is a theatre director and writer. She is the Artistic Director of Action To The World Theatre Company, producing several classics such as Dracula, A Clockwork Orange, In Love/Out Of Love, Rhythm Of Silence… She has also produced some musicals like Bend It Like Beckham, The Wizard Of Oz or Oliver!

Her new project is The Lost Boy Peter Pan, a story about Peter Pan before he met Wendy with songs from The Beatles. We had the chance to talk to her about this new exciting musical:


  1. What can we expect from this musical, can you explain me a bit what is it about?

The Lost Boy Peter Pan is a charming and swashbuckling journey through the best-loved fairytale of all time. Boasting a hugely talented and skilful ensemble of actor-musicians, we will take you on an amazing journey of live music and dance. You’re invited to join the Pan and his Lost Boys in the adventure of all adventures – growing up. The Lost Boy Peter Pan is Action To The Word Theatre Company at their best, creating physical mayhem and magic. It is the perfect alternative to a pantomime this Christmas.


  1. How was born the idea of creating this new musical?

I’ve always loved the story of the little boy from Neverland but I wanted to see a theatre piece that told a little of Peter before he met Wendy. How did he arrive at Neverland and become the leader of The Lost Boys? What made him so sure he didn’t want to return home to his mother? I wanted to create a celebration of what it was to grow up and explore the reasons Peter Pan became who we’ve always known. I also love fairies. And pirates.


  1. What message would you like to send to the audience with this story?

Don’t be scared of growing up but never let go of what it is to be a child. Things you love with all your heart sometimes need to be left behind.


  1. What do you love the most about the story of Peter Pan created by JM Barrie?

I find a huge amount of inspiration in the character of Wendy who has a very particular calling. It’s easy to forget how glorious the concept of wanting to become a mother is. Some people call her old fashioned. Our Wendy saves Pan’s life – she’s untouchably tough, resilient and strong – a huge role model to girls alongside her ultimate quest to become the perfect mum.


  1. How do you think the audience will react to the show?

We previewed the show before and the responses were fantastic – one of warmth, entertainment, emotion and charm. People found their nostalgia for childhood, their personal relationship with Barrie’s tale and an enjoyment of the music, movement and action. The new show for Pleasance Theatre is bigger and better!


  1. You’ve directed many musicals and plays, which kind of shows do you enjoy directing the most?

This is difficult for me as my creative heart is torn in many different directions. I love integrating music into action but I also love movement and have my degree in theatrical Shakespeare. Most of all I enjoy integrating the three which I’ve been lucky enough to do more than once and will again. Having been brought up on a diet of musical theatre, of which I adore, I find that as with all the musicals I’ve created, The Lost Boy’s heart is a classic infused with much-loved pop songs.


The Lost Boy Peter Pan will run at Pleasance Theatre from Wednesday 29th November 2017 – Sunday 7th January 2018. Tickets are available from Pleasance Theatre Box Office on 020 7609 1800 or online at


Entrevista a Joan Vázquez, protagonista de Paquito Forever en el Almeria Teatre

Ya os hemos hablado de Paquito Forever, una verdadera joya que se puede ver en el Almeria Teatre. Se trata de un bonito homenaje a Paco Alonso, bailaor, cantaor, actor y transformista. Está protagonizado por el gran Joan Vázquez, quien, como siempre, está enorme encima del escenario. ¡Hay que verlo!

Hemos tenido el privilegio de poder hablar con él para conocer cómo vive esta experiencia y no hemos podido evitar preguntarle cuál es su valoración sobre su tributo a Stephen Sondheim llamado Something’s Coming, que se pudo ver en Barcelona, Londres e incluso Nueva York. Sin duda alguna, Joan Vázquez es uno de los actores de musicales del momento en nuestro país. Nosotros le adoramos y deseamos seguir viéndole en futuros proyectos que pueda tener, ¡su talento es extraordinario!


MUSICALS ARE GREAT: ¿Cómo te sientes volviéndote a poner en la piel de Paco Alonso, qué es lo que más te gusta de este personaje?

JOAN VÁZQUEZ: Su transparencia. Incluso cuando hay algo de lo que no quiere hablar, lo dice. Siempre es positivo, siempre le saca lo bueno a cada momento. Es una lección de humildad y cariño.


MAG: ¿Qué estás aprendiendo y disfrutando más de este proyecto?

JV: La resistencia física. El show es un reto para mí por el tiempo seguido que tengo que estar de pie y hablando y cantando.

También el contacto con el público. Como Paco, les cuento mi historia directamente a ellos, mirándoles a los ojos. Eso es muy intimidante a la vez que gratificante.


MAG: ¿Cómo suenan las canciones de Paquito Forever?

JV: Suenan bien Jajajaja. Tienen una variedad de estilos que ilustran los diferentes lugares donde vivió Paco: hay influencia española, catalana, americana…


MAG: ¿Cómo es interpretar a Paco Alonso completamente solo en el escenario, es muy difícil?

JV: Tengo al compositor al piano conmigo –Gerard Alonso– que me acompaña también haciendo pequeños papeles. Como decía, es un reto físico pero también mucha libertad para explicar ma historia a mi ritmo.


MAG: Tu tributo a Stephen Sondheim ya se ha podido ver en Barcelona, Londres y Nueva York, ¿cuál es tu valoración y cómo ha sido la acogida del público?

JV: Ha sido una experiencia alucinante. Lo volvería a hacer mañana mismo. Los públicos de Nueva York y Londres me han acogido con mucha calidez y actuar en esos lugares en los que siempre he idolatrado tanto el teatro que hacen ha sido un sueño hecho realidad.


¡Muchas gracias, Joan y suerte! 😉

No os despistéis y comprad las entradas para ver a Joan Vázquez en Paquito Forever en la página web oficial del Almeria Teatre.

Entrevista a Estanis Aboal y Joan Gil, creadores y actores de Veganos, el musical

Veganos, el musical es un espectáculo de pequeño formato que se pudo ver durante todo el verano en el Eixample Teatre. Escrito por Estanis Aboal y con música de Jesús Horcajo, el espectáculo estaba protagonizado por Joan Gil, Clàudia Abellán y David G. Llop quien, este último, además, era el pianista.

Como ya sabéis, en este blog nos encantan los musicales pequeños, ya que derrochan talento y el equipo que está detrás siempre sobresale por su talento y su esfuerzo. El 100% de las veces nos hemos llevado sorpresas muy agradables al descubrir este tipo de espectáculos, incluido, por supuesto, Veganos, el musical. En este caso, se trata de un musical con muchísimo sentido del humor y salimos del teatro encantados.

Queríamos conocer un poco más a fondo sobre este musical, las personas que hay detrás y Pupipia Produccions, los encargados de este proyecto. Por eso, hemos podido hablar con Estanis Aboal y Joan Gil sobre cómo fue su experiencia en el Eixample Teatre.


MUSICALS ARE GREAT: ¿Cómo nació Pupipia Produccions?

ESTANIS ABOAL Y JOAN GIL: Pupipia Produccions nace como compañía en 2016 tras la necesidad de generar un nuevo lenguaje dentro del teatro de pequeño formato. Nos caracterizamos por realizar siempre creaciones propias, como fue nuestro primer espectáculo, Barbablava o como ha sido Veganos, el musical, donde tanto el texto como la música fueron creados expresamente para estos proyectos.


MAG: ¿Cómo se os ocurrió la idea de Veganos, el musical?

EA y JG: Veganos nació de una casualidad. Estanis y Joan, hablando de la sociedad en la que vivimos, que nos etiqueta según nuestros gustos, surgió la idea del conflicto entre los veganos y los carnívoros, tan presente actualmente. Y nos planteamos: ‘¿Qué pasaría si una vegana y un carnívoro se enamorasen?’ De esa pregunta nace nuestro musical.


MAG: ¿Cómo fue el desarrollo y creación de este espectáculo?

EA y JG: A partir de un borrador de escenas escrito por Estanis Aboal se fue desarrollando un guión definitivo al que Jesús Horcajo añadió música, para conformar el libreto del musical. Estas escenas se pusieron a prueba con los actores, ya en sala de ensayo.


MAG: ¿Qué referentes tiene el espectáculo, en qué se ha inspirado tanto la historia como la música?

EA y JG: Realmente no hay referentes, o por lo menos no los hemos buscado. Es normal que nos comparen con musicales de pequeño formato como Pegados, o Lo tuyo y lo mío, aunque Veganos no se parezca. Como referentes universales tenemos todo aquello que nos gusta o nos interesa, ya que somos fanáticos de los musicales.


MAG: ¿Por qué se decidió explicar esta historia en forma de musical?

EA y JG: Los musicales siempre aportan extras y nos facilitan explicar una historia, la música es un enlace emotivo que genera muchas más conexiones con la historia que una obra explicada solamente con la palabra. Es al cine lo que sería el cine en 3D.



MAG: ¿Qué intolerancias, manías o particularidades tenéis a la hora de comer?

EA y JG: La verdad es que los miembros de la compañía no tenemos problema en comer prácticamente de todo (alguno habrá que no coma según qué verduras pero sin mucho estrés) pero tenemos muchos amigos que sí que son veganos o vegetarianos.


MAG: Habéis pasado todo el verano en el Eixample Teatre, ¿cómo ha ido? ¿Estáis contentos con esta experiencia?

EA y JG: Estamos muy contentos de haber podido estar estos meses en el Eixample, y ya tenemos ganas de repetir. Ha sido una experiencia muy positiva para todos.


MAG: Al terminar la función os hacéis una foto con los asistentes a la salida y podéis conocer sus reacciones, ¿cómo ha sido la acogida del público en general?

EA y JG: Ha sido muy buena, poder ver justo después de la función las reacciones del público y que te expresen qué les ha parecido siempre es una experiencia enriquecedora para cualquier artista. Hemos conocido a muchas personas que se han sentido identificadas tanto con el lado carnívoro como con el lado vegano y han disfrutado y reído con las ocurrencias de los personajes.


MAG: Veganos, el musical también se ha podido ver en otras localidades como Manresa o Olesa de Montserrat, ¿qué os gusta más, hacer bolos o permanecer en un teatro fijo?

EA y JG: Las dos opciones son buenas, pero estar en una sala de Barcelona hace que el espectáculo madure y podamos sacarle mucho más partido, hacer un bolo siempre conlleva estrés (montaje, pruebas, desmontaje etc) y hace que los actores que también montan y desmontan vayan más cansados de lo habitual. Para cualquier compañía siempre es preferible estar unos cuantos meses en un teatro, porque le da a los actores rodaje y estabilidad.


MAG: ¿Tenéis más proyectos después de Veganos? ¿Algún musical más, por ejemplo?

EA y JG: Actualmente estamos trabajando en diversos proyectos, entre ellos el relanzamiento de Barbablava, el musical, que pronto intentaremos que pueda verse en Barcelona.


¡Muchas gracias, chicos! Mucha suerte con todos vuestros proyectos, os irán bien porque os lo merecéis de verdad 😉


Entrevista a Ivan Labanda, actor protagonista de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

¡Cabaret ha regresado a Barcelona! En Musicals Are Great estamos muy entusiasmados con el regreso de Cabaret a Barcelona y afortunadamente hemos podido entrevistar a Federico Barrios, su director, y a Ivan Labanda y Elena Gadel, los dos actores protagonistas. De este modo, hemos podido conocer desde su punto de vista cómo están viviendo este gran proyecto.


MUSICALS ARE GREAT: El maestro de ceremonias es un personaje que transmite mucha energía, ¿no es agotador para usted interpretar a alguien con tanta intensidad cada noche?

IVÁN LABANDA: Lo es en la parte física y sobre todo emocional. Pero compensa tanto hacerlo que trasciende a cualquier tipo de agotamiento. Me siento muy útil representando al MC.


MAG: En una historia más bien dramática, el maestro de ceremonias introduce el sentido del humor, la sátira, la parodia… ¿se lo debe pasar muy bien interpretando este papel, verdad?

IL: Introduce el sentido del humor, la sátira y la parodia en dosis muy medidas, pero es un personaje muy agridulce. Más “agri” que “dulce”, en realidad. No olvidemos la ambivalencia del Maestro de Ceremonias: funciona como conductor del espectáculo, es el que establece el cordón umbilical entre el espectador y la escena, funciona también como catalizador de lo que está ocurriendo en la parte drmática, como introductor y parte de los números musicales, y que a su vez son un espejo deformado de la realidad que viven los personajes de la función y de lo que puede ver y pensar el espectador. El MC es uno de los personajes más complejos del mundo teatral. Un ser del que no se sabe nada más allá de lo que se ve en plena exhibición, que esconde muchas cosas y muestra muchas otras. Un ente que va más allá de lo moral y lo permitido, que debe inquietar e incomodar al espectador, que debe reflejar sus temores a través de una máscara, que actúe como revulsivo y a la vez que sea magnético, empático, entrañable y necesario sobre el escenario. Representarlo es apasionante para cualquier artista que se precie. Te pone a prueba. Es una mixtura de elementos muy difícil de describir, pero que en conjunto responde a una emoción tan ancestral que los espectadores arropan desde el primer momento porque saben que en el fondo es su representante, forma parte de ellos mismos.


MAG: Quizás una de las oberturas más famosas del teatro musical es la de Cabaret, con ‘Willkommen’. ¿Qué siente cuando escucha las primeras notas de la canción y, por tanto, da comienzo al espectáculo?

IL: Se te ponen los pelos de punta. Siempre. Es uno de los temas de lo que hemos estado hablando últimamente. Es increíble que después de tantos años de escuchar estas canciones continúe sucediendo, pero es así. El arranque de la función establece los códigos del resto del espectáculo. Es casi como un ritual, un momento de vital importancia que va acompañado de una música que perdurará por su maestría y la iconografía que la acompaña.


MAG: ¿Qué es lo que más le gusta de Cabaret y qué ha descubierto de este espectáculo poniéndose en la piel del maestro de ceremonias?

IL: Me gusta la complejidad del libreto, de los personajes. Me gusta que demuestre que un musical puede no ser un mero entretenimiento banal, que es a lo que nos estaban acostumbrando las franquicias que hemos podido ver en el país los últimos años. Cabaret es una obra de texto con un contenido profundo, un mensaje claro y contundente, acompañado de unas canciones con una partitura espléndida. ¿Qué más se puede pedir como intérprete y como espectador? Por eso es un clásico. Cabaret se puede hacer de muchas formas, pero está tan bien escrito y su arquitectura está tan bien pensada que lo hagas como lo hagas funcionará.

Lo que más me gusta como Maestro de Ceremonias es tener la responsabilidad de implicar al espectador como parte activa en el viaje de la función. Es tu misión llevarle con éxito desde el punto de partida hasta el gran final, y de que se quede con la boca abierta, de llegar a su alma, y de que salga del teatro modificado de como ha entrado. Y en realidad esa es la misión del teatro, del arte. Mover y conmover. Es un privilegio tener esta responsabilidad y poder dejar tu huella artística y tu visión personal en ello.


MAG: Antes de Cabaret, le hemos podido ver actuando en muchos musicales, ¿qué tienen los musicales que le fascinen tanto? Por curiosidad, ¿cuáles son sus favoritos?

IL: El musical demanda el control de muchas disciplinas por parte del intérprete. El dominio de ellas o del conjunto determinará el grado de responsabilidad que tengas en un musical. Siempre me he movido por retos. Superarlos y superarme a mi mismo y demostrarme que los límites son algo autoimpuesto son unos de los motores que más me activan, me hacen sentir vivo. Pero disfruto tanto del teatro de texto como del musical, de la televisión como del teatro o el doblaje… Todo tiene su propia disciplina y aprender de cada una, alimenta al resto: te hace mejor intérprete, tienes más herramientas y te hacen poder trabajar de forma más minuciosa.

Me gustan muchos musicales. Entre ellos, y no por dar más coba, siempre ha sido Cabaret, pero también otros como All That Jazz (la película) o Company. Me interesan los musicales con libretos y partituras trabajados y complejos que no se queden en el mero entretenimiento, que tengan realmente algo que contar, algo que te mueva, te modifique.


¡Muchas gracias, Ivan! 🙂



No os perdáis el regreso de Cabaret en Barcelona, podéis comprar las entradas en la página web oficial del Teatre Victòria.

Entrevista a Elena Gadel, actriz protagonista de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

Sally Bowles es uno de los personajes más populares de la historia del teatro musical. Son muchas las actrices que han interpretado este papel como Liza Minnelli, Michelle Williams, Emma Stone, Sienna Miller, Judi Dench, Samantha Barks y, en el caso de España, incluso Marta Ribera, Nina, Natalia Millán y Cristina Castaño. Ahora es el turno de Elena Gadel, quien seguro que estará maravillosa, no lo dudamos. Hemos podido hablar con ella para conocer cómo se está preparando para este papel.


MUSICALS ARE GREAT: Sally Bowles es un personaje icónico, ¿cómo se está preparando para interpretar este papel, qué significa este personaje para su carrera?

ELENA GADEL: Sally Bowles es un personaje icónico, es cierto. Me he preparado con Federico Barrios, el director de Cabaret, dejándome llevar totalmente por sus indicaciones y por sus ejercicios. El hecho de ensayar conjuntamente con Bernat Mestre (el actor que interpreta a Cliff) hace que Sally crezca mucho porque Cliff no es nadie sin Sally y Sally no es nadie sin Cliff. Además, he visto la película una vez, porque no he querido obsesionarme tampoco con interpretaciones como las de Liza Minelli, quería que me sirviese un poco para poder absorber todo lo que podía de su personaje pero buscando la Sally que interpretaría yo misma. Soy muy afortunada por contar con el director, que es fantástico.

Yo creo que para mi carrera será un empujón. Si bien hablamos de Liza Minelli, en realidad, han sido muchas las actrices que han interpretado a Sally Bowles. Es un personaje que si te gusta trabajar en musicales y puedes trabajar en ellos, si se te ofrece la oportunidad de actuar en Cabaret la opción del “no” ni se puede contemplar. Tanto el Maestro de Ceremonias como Sally son dos personajes que son un lujazo de interpretar por muchísimas razones. Para empezar, porque Sally es un personaje súper imprevisible, tiene millones de capas y va de extremo a extremo y eso lo hace mucho más rico y más bombón.


MAG: Al hablar de Cabaret, todo el mundo recuerda a Liza Minelli en la adaptación cinematográfica del musical, ¿siente presión? ¿Se ha inspirado en la película para construir su personaje?

EG: No siento presión, quizás soy una inconsciente de la vida, pero no siento presión.

Siento que Sally es un personaje muy rico y gracias a Federico Barrios lo he podido trabajar desde mi misma, sin pensar en los referentes que hay… Más que sin pensar, sin obsesionarme, porque está claro que es importante absorber de cada uno de ellos lo que mejor le va a uno. He podido extraer la Sally de Elena y entonces es muy auténtica. Hay veces que intento potenciar más una parte que otra, puesto que Sally a lo mejor tiene más una parte que otra (que no es Elena ni mucho menos), pero siempre desde lo que le nace a mi persona, entonces eso hace que Sally sea muy ella misma.

Vi la película una vez para saber cómo era, pero me he inspirado en, sobre todo, las órdenes del director.


MAG: ¿Qué es lo que más le gusta de esta producción y qué está aprendiendo de esta experiencia?

EG: ¡Son tantísimas cosas! La vi en Alicante, vimos un doblete con Ivan Labanda y me quedé maravillada porque se han trabajado muchísimo todos los personajes y como espectador es muy fácil llegar a empatizar con alguno de ellos porque todos y cada uno de ellos reacciona a lo que está ocurriendo de una forma diferente y todas las maneras son lícitas. Entonces, no te da por juzgar ninguna reacción ni ningún personaje, simplemente te crea espejo uno de ellos o dos. A mi de esta producción debo decir que me gusta todo y sobre todo cómo se ha intentado trabajar los personajes desde el propio actor.


MAG: ¿En qué se parece Sally Bowles a usted?

EG: En muchas cosas. Sally tiene una parte de mujer fatal que yo tengo de vez en cuando. Luego, tiene una parte muy sexual que en eso me reconozco. Tiene una parte imprevisible, que en eso no me reconozco tanto. Soy una mujer más sencilla, ella es bastante complicada y difícil de complacer. Tiene una tristeza interior escondida que siempre oculta. En eso tampoco me reconozco, pero podemos decir que sí en esta pequeña parte de niña pequeña, que a veces le sale; pero ya te digo que a Sally le sale mucho menos que a mi.


MAG: ¿Cuál es su canción favorita del espectáculo, en qué momento disfruta más?

EG: Todas, todas, todas. No quiero pensar en cuál es mi favorita, todas son preciosas y todas tienen su toque maravilloso, entonces, claro, ¿qué te gusta más de Sally, su tristeza o su locura? Pues las dos, me encanta cuando por fin saca el cansancio que tiene y me encanta cuando está “ loca”. De Sally amo todo su personaje y de la obra también, todos sus momentos son fantásticos.


¡Muchas gracias, Elena! 🙂


No os perdáis el regreso de Cabaret en Barcelona, podéis comprar las entradas en la página web oficial del Teatre Victòria.

Entrevista a Federico Barrios, director de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

Cabaret ya se ha estrenado en Barcelona. Es uno de los musicales más populares del teatro, con unos ingredientes que lo hacen perfecto para el público: el contexto histórico, una historia tierna y triste, personajes fuertes y divertidos, una partitura excelente y unas letras ingeniosas. En Musicals Are Great estamos muy entusiasmados con el regreso de Cabaret a Barcelona y afortunadamente hemos podido entrevistar a Federico Barrios, su director, y a Ivan Labanda y Elena Gadel, los dos actores protagonistas. De este modo, hemos podido conocer desde su punto de vista cómo están viviendo este gran proyecto.


MUSICALS ARE GREAT: ¿Cómo surgió la idea de que Cabaret regresara a Barcelona?

FEDERICO BARRIOS: Después de un gran estreno en Madrid en octubre de 2015, después de ganar 8 Premios Teatro Musical y tras la gira por toda la geografía española en la temporada 16/17, Barcelona era la gran ciudad que faltaba, y por eso se buscó el mejor momento para traer Cabaret. Un gran elenco y el gran despliegue hace que esta nueva producción de Cabaret esté a la altura del público de Barcelona.


MAG: ¿Porqué cree que las nuevas generaciones deberían descubrir esta historia?

FB: Porque es un gran texto, unas grandes canciones y es parte de la cultura musical y teatral contemporánea. Una historia que cuenta una época, unos sueños, unas necesidades, que aún siguen siendo vigentes. Para las nuevas generaciones, descubrir Cabaret es regresar y vivir un pasado y unos sueños que marcaron al mundo.


MAG: ¿Cómo es esta producción y en qué se diferencia de los demás montajes de Cabaret que se han realizado en España?

FB: Cabaret esta basado en la versión original de 1966, dirigida por Harold Prince. Este nueva versión de Cabaret es luminosa, transgresora y soberbia. Un trabajo actoral que hace que el texto siga vivo, en el cual las canciones acompañan a los protagonistas a través de este Berlín de los años 30.


MAG: Cabaret ocurre en Berlín durante los años 30, ¿qué temas de la historia siguen siendo actuales en 2017?

FB: Los conflictos políticos, la discriminación, el miedo y la incertidumbre.


MAG: Usted ha dirigido muchos musicales en España, pero puestos a imaginar, ¿qué musicales de Broadway desearía poder ver en nuestro país?

FB: Desearía ver: West Side Story, Sunset Boulevard, A Chorus Line, Wicked, Anything Goes, If/Then, In the Heights.


¡Muchas gracias, Federico! 🙂

No os perdáis el regreso de Cabaret en Barcelona, podéis comprar las entradas en la página web oficial del Teatre Victòria.