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Entrevista a Laia Capdevila i Ariadna Pastor, de la Companyia Tabú i protagonistes de ‘La perdiu és de qui la caça’ a La Seca Espai Brossa

Fotografia de Toni Màrquez, procedent del Twitter de La Seca Espai Brossa

Com ja sabeu, a Musicals Are Great ens encanten els espectacles de petit format, perquè es crea una energia única i diferent a cada funció i neix un vincle entre espectadors i els artistes a l’escenari que és molt difícil d’oblidar. Si ja estàvem enamorats de La perdiu és de qui la caça, una petita joia teatral que es pot veure a La Seca Espai Brossa fins tan sols el 4 de febrer, ara ho estem encara més després d’haver pogut conèixer la Laia Capdevila i l’Ariadna Pastor, les dues creadores d’aquest projecte tant i tant bonic.

Parlant amb elles, hem pogut conèixer com va ser el procés de creació d’aquest espectacle i quin és el futur que tenen preparat per La perdiu és de qui la caça. A més de dones artistes i amb un gran talent, sabíem que tenen un fort compromís amb el món de la cultura i s’esforcen i lluiten per canviar el món de l’art i, en certa manera, la societat. El seu desig (i el nostre i segur que el de la majoria de la població) és viure en un món més just i igualitari, on les dones siguin respectades i tinguin les mateixes oportunitats que els homes en tots els àmbits. Per això, també els hi hem volgut demanar la seva percepció de la situació que tenen les dones en el món de les arts escèniques.

Va ser una conversa molt interessant i divertida. L’Ariadna i la Laia tenen una gran complicitat entre elles que es transmet a l’hora de fer la funció. A les seves mans tenen un espectacle bonic, únic i poderós del qual se n’han de sentir molt orgulloses i satisfetes. Desitgem de tot cor que l’espectacle sigui tot un èxit, que molts espectadors d’arreu de Catalunya el puguin descobrir i gaudir i, sobretot, que la Laia i l’Ariadna segueixin amb aquesta energia i il·lusió per tirar endavant molts més projectes innovadors com aquest.

A continuació podeu llegir la entrevista. També podeu llegir la ressenya de La perdiu és de qui la caça fent click aquí. I, per descomptat, no oblideu comprar les vostres entrades a la pàgina web oficial de La Seca Espai Brossa, creieu-nos, us encantarà.

MUSICALS ARE GREAT: Quin és l’origen de la Companyia Tabú?

LAIA CAPDEVILA: Vaig començar jo, després va seguir l’Ariadna Pastor i per últim s’hi va afegir l’Òscar Vilaprinyó, qui ens va escriure la música. Jo sóc músic tradicional clàssic i tenia la necessitat de fer alguna cosa diferent, sortir del concert típic que és al que em dedico. Sempre he tingut el teatre molt a prop i vaig pensar: “doncs podria fer alguna cosa petitona, per adults, res complicat ni sofisticat”.

ARIADNA PASTOR: La Laia era la meva professora de violí.

LAIA CAPDEVILA: I ho sóc, de fet.

ARIADNA PASTOR: Sí, jo estudio violí com a hobby total, fa molt poc que vaig començar. Sóc actriu professional i, per tant, ella que buscava una actriu, em tenia ben a prop.

LAIA CAPDEVILA: I un dia a l’acabar la classe li vaig proposar la meva idea. Li vaig dir que no tenia ni idea d’on aniríem ni com ho faríem, res de res.

ARIADNA PASTOR: Jo que m’apunto a un bombardeig no ho vaig dubtar, vaig dir: “sí, d’acord!”.

LAIA CAPDEVILA: I el mateix va passar amb l’Òscar. Ell i jo som companys de mitja vida, ell és violinista, vam estudiar junts i tenim un quartet de corda en comú. A més a més, ell està estudiant composició i, per tant, qui millor que ell per composar les cançons per l’espectacle. Li vaig proposar i també ho va tenir molt clar.

ARIADNA PASTOR: La última en incorporar-se a aquest projecte va ser la Montse Bonet, la nostra directora i encarregada d’aixecar tot aquest compendi de música, text i personatges que teníem. Ella havia estat la meva professora a l’Institut del Teatre i ens havíem entès molt bé. Un dia li vaig preguntar si ens dirigiria, sense gaires esperances, però a ella li va encantar la idea i va dir que sí. La Montse va ser capaç d’organitzar i depurar tot el material que teníem i de trobar la veu des d’on volíem explicar les històries. Gràcies a ella, vam rebaixar la veu narrativa i vam trobar la veu de cada personatge, així com la opinió de cada dona respecte al que li passava. Això va ser molt important per aportar els colors a l’espectacle i fer-lo més viu i dinàmic, a més d’ajudar a que el missatge arribés al públic.

He de reconèixer que a mi el tema eròtic no em cridava gaire l’atenció, perquè, així d’entrada, me l’imaginava com si fos alguna cosa més còmica i em feia una mica de mandra. Però aleshores vaig pensar en alguna cosa més literària i en Les mil i una nits. La veritat és que no ho havia llegit mai i no ho coneixia gaire, però com que jo també escric perquè, a part d’actriu també he estudiat guió, li vaig proposar a la Laia llegir-me el llibre i fer la dramatúrgia, em venia de gust. I així vam començar.

LAIA CAPDEVILA: El nom de Companyia Tabú va néixer força més tard. Ens vam dir de moltes maneres, suposo que com totes les companyies. Primer ens dèiem ‘Les reunions eròtiques’ perquè quan quedàvem ho posàvem a l’agenda. Per trobar el nom li vam donar moltes voltes i, al final, la paraula tabú ens va agradar. És com allò que no es pot dir i, ja que nosaltres expliquem contes eròtics, vam veure que hi estava molt relacionat.

MUSICALS ARE GREAT: Com va néixer la idea de ‘La perdiu és de qui la caça’ i en què us vau inspirar?

LAIA CAPDEVILA: Volíem buscar en la literatura, no volíem caure en els típics monòlegs de sexe. Em sonava que la meva mare havia fet un espectacle de teatre amateur sobre contes eròtics i en tenia alguns de guardats. Després de buscar, vaig trobar el llibret i, entre totes les històries, hi havia la del monjo (que vam adaptar pel nostre espectacle). Totes eren del Decameró de Bocaccio i aquest va ser el fil per on vam començar a estirar. Ens vam passar tot l’estiu llegint contes.

ARIADNA PASTOR: Els meus pares tenen a casa els dos volums enormes i antiquíssims de Les mil i una nits en castellà. Vaig començar amb allò i després vaig anar a buscar una altra versió a la biblioteca perquè aquella se’m desfeia a les mans. Vam llegir moltes coses però, sobretot, ens vam quedar amb Les mil i una nits i el Decameró de Bocaccio (és el llibre que es pot dir que va marcar el pas de l’Edat Mitjana a l’època del Renaixement a Itàlia). Vam llegir molt i vam adaptar molt els contes, perquè n’hi havia alguns de molt llargs. La història de l’Alatiel, per exemple, potser són com 40 pàgines.

LAIA CAPDEVILA: O recordo també la història de la Scheherezade, que era llarguíssima. L’heu de llegir, és boníssima, hi apareix un geni i li concedeix uns desitjos, el germà, un esclava… Surrealista total. Aleshores vam haver d’editar-ho tot.

ARIADNA PASTOR: La particularitat és que vam fer la dramatúrgia juntament amb la composició musical. Jo portava algunes propostes de la dramatúrgia i llavors l’Òscar ens portava les cançons i la Laia les tocava i veiem si quedaven bé o no.

LAIA CAPDEVILA: Clar, anàvem llegint i sobre la marxa anàvem imaginant quina música posar i l’Òscar prenia nota a la llibreta. Li dèiem: “que sigui elegant, que sigui majestuós…”.

ARIADNA PASTOR: O la música de polvo! És molt graciós. Li vam dir: “Òscar, aquí volem una música de polvo”. I ell: “de què?” I nosaltres: “de polvo, Òscar, de polvo.”

LAIA CAPDEVILA: La veritat és que la capacitat de l’Òscar és molt bona perquè tu li demanaves el que sigui i ell venia al dia següent amb alguna proposta. Està bé perquè com que l’Òscar i jo ens coneixem molt, hi ha hagut sempre la suficient confiança per dir-li que sí o que no. Per exemple, amb l’Alatiel, que és una noia jove, innocent, fresca i bella, primer va fer una música tètrica i fosca i li vam haver de dir que no, que l’Alatiel no era així.

MUSICALS ARE GREAT: Quin criteri heu seguit a l’hora de triar els contes que apareixen a ‘La perdiu és de qui la caça’?

LAIA CAPDEVILA: Ja vam fer una selecció prèvia i ens vam repartir els contes que vam llegir durant aquell estiu. Quan vam quedar després vam comentar de què anava cadascun. Potser n’hi havia alguns que tenien un punt eròtic i després es desmarcaven una mica. Per això vam decidir cenyir-nos a allò purament eròtic.

ARIADNA PASTOR: Era molt difícil trobar contes eròtics perquè no és veritat que a Les mil i una nits tots els contes ho siguin. De fet, al contrari, n’hi ha molt pocs que ho siguin i a l’espectacle només hi apareixen dos. A més a més, vam trobar que hi ha contes amb títols molt heavy a Les mil i una nits i que després han desaparegut (suposo que per la censura).

LAIA CAPDEVILA: Vam trobar un conte que es titulava alguna cosa així com el membre gegant d’un geni (o semblant), però el conte no hi era. Vam arribar a la conclusió que no s’hauria traduït. Jo tinc un conegut que va estudiar Filologia Àrab i li vaig demanar si me’l podia traduir i sorprenentment tampoc el va trobar.

ARIADNA PASTOR: Doncs sí, és molt curiós. A mi el que em cridava l’atenció era que, al pròleg de Les mil i una nits, d’entrada, es disculpen, diuen que explicaran un seguit de contes eròtics perquè “us reprimiu”. Diu que s’ha d’aprendre sobre el que feien els personatges als contes, però no fer-ho. És graciós que ho expliques tot però després et rentes les mans dient “reprimiu-vos”.

Amb el Decameró passa el mateix, és una obra que podríem dir que és feminista en un context molt masclista perquè són dones molt intel·ligents, que se’n surten de tot. I també ho explica com a “el que no han de fer les dones”, però, clar, ja ho ha deixat anar.

LAIA CAPDEVILA: Hi havia contes molt bèsties, com alguns sobre matar a les dones que, òbviament, vam descartar. I en tenim alguns guardats per si mai els necessitem, mai se sap. El conte de l’Alatiel, per exemple, va ser com una aposta perquè és molt llarg.

ARIADNA PASTOR: Jo recordo que era a la platja de Menorca amb el Decameró llegint contes que no tenien res d’eròtic i de sobte vaig arribar a l’Alatiel i em vaig emocionar, però era massa llarg. A més, és un conte molt feminista perquè és una dona que s’aprofita de la situació, s’ho passa bé, al final es casa i és la reina del Marroc. Amb dos ovaris. No va ser fàcil adaptar-lo perquè era molt llarg i repetitiu i es feia pesat. Vam treballar molt la interpretació, la opinió que ella tenia de cada home i intentant que cada relació fos diferent.

Per exemple, és una tonteria però mai diuen el nom d’Alatiel. Al principi sí, però després es refereixen a ella com a “ella, la noia, aquella, la donota…”. És fort com a través del llenguatge pots realçar o despreciar una figura. En aquest cas tots els homes tenien nom i ella no. Tot això ho vam haver d’arreglar i interpretar-ho com si fos des del seu punt de vista, trobo que ha sigut una de les majors feinades de l’espectacle.

Fotografia de Toni Màrquez, procedent del Twitter de La Seca Espai Brossa

MUSICALS ARE GREAT: Com vau triar el nom de ‘La perdiu és de qui la caça’?

ARIADNA PASTOR: Crec que vaig ser jo.

LAIA CAPDEVILA: No ens sortia cap nom. Teníem clar que la perdiu tirava molt, perquè és molt metafòric.

ARIADNA PASTOR: El nom sembla una mica infantil, però ens va agradar el joc que tenia. A mi el que m’agrada del títol és que parla justament d’aquest alliberament. Són dones que en un context masclista, que les perjudica, s’aprofiten del que poden per tirar endavant. Per mi, l’obra és la imatge de la dona que se’n surt i m’agrada molt.

LAIA CAPDEVILA: A més, té molta conya, com també l’hem tingut durant els nostres assajos. El títol té molt joc i, a més, apareix a la funció, cosa que està molt bé per connectar-ho tot.

 

MUSICALS ARE GREAT: Quin és el missatge que voleu transmetre als espectadors?

ARIADNA PASTOR: Claríssimament, com a dramaturga, el meu objectiu és la visió femenina del món masclista. Són uns contes que són d’una altra època i on les dones estaven molt maltractades, però elles han sigut capaces de donar-li una volta. En certa manera, és la recerca del plaer, no només sexual, sinó també de gaudir de l’enginy, de l’engany i de la seva intel·ligència. Per mi, aquesta obra parla de la intel·ligència de totes les dones que se’n surten, que prenen partit.

Però també hi ha un missatge molt obscur que no sé si algú l’haurà captat, però que consisteix en el context tant bèstia i que no es pot perdre de vista. La història de Scheherezade és molt xunga perquè estem parlant d’un home que durant tres anys està a punt de matar la seva dona cada nit. Afortunadament, ella té l’enginy de deixar el conte a mitges i ell triga tres anys en perdonar-li la vida. Però com ha de viure aquesta parella si ella està a punt de morir cada nit?

El pare d’ella, cada matí, li porta el sudari plorant perquè es pensa que la seva filla s’ha mort i se sorprèn al veure que segueix viva, marxa i torna a l’endemà. Era massa dramàtic i ho hem tret perquè nosaltres volíem entretenir. A mi m’agrada que tot sigui molt alegre però, al cap i a la fi, també hi ha d’haver una nota discordant, com passa inclús amb les obres de Shakespeare.

LAIA CAPDEVILA: Avui dia el tema de la dona està molt present i ens estem esforçant molt per tal d’avançar. Però també faig autocrítica amb el fet de fer una obra que pugui semblar més del mateix.

Tot i així, jo crec que la gent surt contenta perquè ho hem sabut simplificar tot i estem aquí a La Seca com podríem ser davant la llarg de foc de casa. De fet, l’estrena real d’aquesta obra va ser a casa meva amb unes llums que enceníem nosaltres mateixes, vam posar unes cadires i vam convidar el públic a prendre una copa de vi i els hi vam dir que els explicaríem uns contes. Això fa que sigui més real, que arribi molt més que no pas posar-te a l’escenari i fer el típic discurs feminista. Que també ho fem, d’acord, però en forma de conte. La suma de tot això fa que l’espectacle sigui un caramelet.

Fotografia procedent del Twitter de La Seca Espai Brossa

MUSICALS ARE GREAT: Us agrada actuar tant properes al públic o us imposa una mica?

LAIA CAPDEVILA: Sí que imposa, perquè estem molt exposades.

ARIADNA PASTOR: A mi m’agrada actuar amb el públic a prop. Ara bé, el fet que sigui jo la única actriu que interpreti a tots els personatges suposa un repte per mi. He de reconèixer que gaudeixo més fent obres amb més actors, però estic aprenent d’aquesta experiència i, realment, m’ho passo molt bé. Però no és fàcil. En aquest espectacle, a més, necessites molt el públic, canvia molt segons el públic i si hi ha més o menys espectadors.

LAIA CAPDEVILA: Ens hem trobat que és la primera vegada que fem temporada i és quelcom molt seriós, encara que sigui a La Seca i és una cosa com més petita (vull dir que no som al TNC, per exemple). Si el públic no està amb nosaltres se’ns fa molt difícil. Nosaltres expliquem un conte, si no hi ha ningú a qui explicar-li, el que fem no té sentit. A vegades pots fer un monòleg o un altre tipus d’obra que el públic pot ser-hi o no perquè no necessites tant el seu feedback. En canvi el nostre espectacle és una manera de comunicar molt directa.

ARIADNA PASTOR: És veritat, no hi ha una quarta paret, jo vaig mirant el públic i interactuant amb els espectadors.

LAIA CAPDEVILA: Però en general hem tingut una molt bona resposta, la gent està molt contenta. Tothom ens ve a dir que els hi ha arribat molt i que l’espectacle és molt proper. Parlen molt de la proximitat i això està bé perquè al teatre i amb les arts escèniques a vegades és molt fàcil crear una barrera, som nosaltres els creadors i artistes que som a l’escenari i vosaltres els espectadors que veniu a veure’ns. Aquests rols a mi no m’agraden gens i el fet que ens retroalimentem està molt bé. A més, recalcar que és una aposta personal, que ho hem parit nosaltres i estem aquí defensant-ho i sortim a l’escenari convençudes perquè creiem al 100% en el que fem.

Fotografia de Toni Màrquez, procedent del Twitter de La Seca Espai Brossa

MUSICALS ARE GREAT: Us agrada fer temporada o preferiu anar de gira?

ARIADNA PASTOR: La idea de tot és anar a fer bolos. Jo ja he fet moltes temporades a Barcelona i sé el que costa molt. La idea és que La perdiu és de qui la caça pugui anar a festivals, llocs com una mica fora del teatre, llocs petits (per dir alguna cosa, com cates de vi, terrats que s’estan posant molt de moda a Barcelona, etc.).

LAIA CAPDEVILA: No, el nostre lloc no està als teatres. Però també ens fa il·lusió que es reconegui la nostra feina. Que un lloc com La Seca, que està acostumat a aquestes coses i té un renom, ens plantegi fer la nostra proposta aquí és molt difícil dir que no (i més com estan les coses avui dia). Però tenim clar que el nostre objectiu no era fer temporada en un teatre i no hem treballat tot aquest temps per estar sempre al mateix espai.

ARIADNA PASTOR: Però no per res, sinó perquè, bàsicament, ja hi hem passat per tot això, ja hem fet coses. També és veritat que estem aprofitant molt la temporada per rodar. És molt profitós per nosaltres perquè estem millorant molt l’espectacle cada dia, és com un laboratori. Som aquí cada dia i haurem fet 20 funcions en total.

LAIA CAPDEVILA: Depenent del públic aprofitem per provar coses noves. Volem que valgui la pena per tota aquesta gent que ha vingut a veure’ns, que ha sortit de casa seva per venir a veure’ns a nosaltres.

 

MUSICALS ARE GREAT: Teniu més projectes per la companyia després de ‘La perdiu és de qui la caça’?

LAIA CAPDEVILA: El nostre projecte és explotar La perdiu és de qui la caça molt, molt, molt! Un dia vam parlar del futur.

ARIADNA PASTOR: Sí, la Laia es motiva i un dia va venir i va dir: “ja sé què farem després de La perdiu!!!”. Però calma, que m’ha costat molt estudiar-me tot aquest text.

LAIA CAPDEVILA: No, no, la idea no era muntar tot això per representar-ho i tancar-ho, sinó que volem explotar-ho al màxim possible.

ARIADNA PASTOR: Nosaltres ens entenem molt i això és guay. Possiblement, d’aquí a uns anys, si la cosa va bé…

LAIA CAPDEVILA: Ho traduirem al castellà! T’imagines La perdiz es de quien la caza? (Riures)

Fotografia de Toni Màrquez, procedent del Twitter de La Seca Espai Brossa

MUSICALS ARE GREAT: Què n’opineu de la representació que tenen les dones a la cartellera actual de teatre a Barcelona?

ARIADNA CAPDEVILA: Com a actriu, dramaturga i guionista estic molt implicada, molt emprenyada i molt a favor del moviment de dones i cultura. Penso que la cartellera de Barcelona, Catalunya, Espanya i al món sencer està governada per homes. Qui mana i qui produeix sempre són els homes. És un cercle viciós que provoca que tot giri al voltant dels homes: homes que s’identifiquen amb històries masculines, que els seus amics siguin homes i que parlin només d’ells mateixos. I això no només passa al teatre, sinó al cinema i a la televisió.

Com que la ficció per norma general és masculina perquè tradicionalment no s’ha deixat escriure a les dones, el que ha provocat és que els nostres referents, també per les dones, siguin homes com, per exemple, Harry Potter, Dràcula, etc. Costa molt trobar referents femenins. Jo quan era petita i em plantejaven si volia ser Peter Pan o Wendy, volia ser Peter Pan perquè la Wendy era avorrida.

Jo, com a dona que escric, penso que ens hem d’autocorregir per evitar que tot sigui masculí. Potser escrius “el metge” i perquè no “la metgessa”? Cal un treball per part de tots i sobretot trencar aquestes estructures masclistes d’homes poderosos que ho bloquegen tot. Cal posar dones en les esferes de poder i deixar llibertat perquè també produeixen. Com a espectadora també trobo a faltar històries en les quals m’hi pugui sentir identificada com a dona. I potser hi haurà moltes dones no se n’adonin perquè, malauradament, ja hi estem massa acostumades.

LAIA CAPDEVILA: A la darrera gala dels premis Butaca van fotre molta canya amb aquest tema però trobo que és molt trist que en un esdeveniment com aquest sigui necessari fer un missatge constant perquè al final es fa com pesat. Però sobretot és més trist haver d’arribar a aquest punt d’insistir tant.

Pel què fa a la música, jo vinc del món clàssic i és molt masculí, fins fa poc a les orquestres gairebé no hi havia representació femenina. Però això s’està intentant canviar. El dia 18 de gener, per exemple, la ONCA (Orquestra Nacional Clàssica d’Andorra), que és l’orquestra on jo toco, va realitzar un concert al Palau de la Música (amb l’Aina Clotet recitant uns textos) sobre la Fanny Mendelssohn. Ella és la germana de Felix Mendelssohn. Els dos van escriure pràcticament la mateixa quantitat de composicions però a ella ningú li va fer cas pel simple fet de ser una dona al segle XIX. Directament, ella no podia tocar en públic. Aleshores, aquest concert va ser una reivindicació de la seva figura, per donar-li veu que mereix per treballar tant o més que Felix Mendelssohn, però ningú la va reconèixer.

ARIADNA PASTOR: El problema és que s’han silenciat a totes les dones de la història i això que han hagut de lluitar el triple per poder fer les coses i, malgrat això, les han tirat endavant. Té molt de mèrit. La primera persona que va crear la ficció al cinema va ser l’Alice Guy i no els germans Lumière com se sol creure. Ella va fer la primera pel·lícula de ficció, va ser la primera que va posar so i color a les seves pel·lícules, i a més hi actuava. Però ningú la coneix i en canvi sí als Lumière. I això ha passat sempre al llarg de la història en tots els àmbits professionals.

LAIA CAPDEVILA: Pel què fa a la música, sí que és veritat que s’ha millorat molt sobretot el món del clàssic, hi ha més dones en algunes orquestres però sembla que la seva imatge i aparença és molt més important que la dels homes. Per exemple, la pianista xinesa Yuja Wang sempre té molta polèmica i se l’ha criticat molt per anar vestida amb faldilla i tacons als seus concerts. Les crítiques li han caigut a sobre sempre de l’estil: “com vas amb aquestes pintes a tocar Chopin?”. Això demostra una mica el caire conservador i masclista que encara hi ha a la música clàssica. Però no només en aquest àmbit, també pots fixar-te en la música pop i la música de masses com la dona és un objecte. Encara que n’hi hagi de molt canyeres i compromeses, estan allà objectificades i es dóna molta importància al seu aspecte i físic. Així que, en definitiva, estem malament a tot arreu, hem de millorar-ho i hem de seguir donant veu a aquestes desigualtats.

ARIADNA PASTOR: Com a creadors, tenim el repte d’intentar canviar el concepte de “obra per dones, ficció encarada per un públic femení”. És un error. Hem d’aconseguir fer ficció on hi apareguin dones i que sigui interessant per tothom, de la mateixa manera que consumim continguts on hi apareixen homes i no s’especifica que és per homes. Que sigui per tothom i que a tothom li pugui interessar veure a una dona fent coses. Que no sigui culebrons de tarda, també hem de ser al prime time. És una lluita per normalitzar-ho.

 

MUSICALS ARE GREAT: Moltes gràcies, Ariadna i Laia!!! 🙂

 

Cesar i Daniel

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Entrevista a Ivan Labanda, actor protagonista de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

¡Cabaret ha regresado a Barcelona! En Musicals Are Great estamos muy entusiasmados con el regreso de Cabaret a Barcelona y afortunadamente hemos podido entrevistar a Federico Barrios, su director, y a Ivan Labanda y Elena Gadel, los dos actores protagonistas. De este modo, hemos podido conocer desde su punto de vista cómo están viviendo este gran proyecto.

 

MUSICALS ARE GREAT: El maestro de ceremonias es un personaje que transmite mucha energía, ¿no es agotador para usted interpretar a alguien con tanta intensidad cada noche?

IVÁN LABANDA: Lo es en la parte física y sobre todo emocional. Pero compensa tanto hacerlo que trasciende a cualquier tipo de agotamiento. Me siento muy útil representando al MC.

 

MAG: En una historia más bien dramática, el maestro de ceremonias introduce el sentido del humor, la sátira, la parodia… ¿se lo debe pasar muy bien interpretando este papel, verdad?

IL: Introduce el sentido del humor, la sátira y la parodia en dosis muy medidas, pero es un personaje muy agridulce. Más “agri” que “dulce”, en realidad. No olvidemos la ambivalencia del Maestro de Ceremonias: funciona como conductor del espectáculo, es el que establece el cordón umbilical entre el espectador y la escena, funciona también como catalizador de lo que está ocurriendo en la parte drmática, como introductor y parte de los números musicales, y que a su vez son un espejo deformado de la realidad que viven los personajes de la función y de lo que puede ver y pensar el espectador. El MC es uno de los personajes más complejos del mundo teatral. Un ser del que no se sabe nada más allá de lo que se ve en plena exhibición, que esconde muchas cosas y muestra muchas otras. Un ente que va más allá de lo moral y lo permitido, que debe inquietar e incomodar al espectador, que debe reflejar sus temores a través de una máscara, que actúe como revulsivo y a la vez que sea magnético, empático, entrañable y necesario sobre el escenario. Representarlo es apasionante para cualquier artista que se precie. Te pone a prueba. Es una mixtura de elementos muy difícil de describir, pero que en conjunto responde a una emoción tan ancestral que los espectadores arropan desde el primer momento porque saben que en el fondo es su representante, forma parte de ellos mismos.

 

MAG: Quizás una de las oberturas más famosas del teatro musical es la de Cabaret, con ‘Willkommen’. ¿Qué siente cuando escucha las primeras notas de la canción y, por tanto, da comienzo al espectáculo?

IL: Se te ponen los pelos de punta. Siempre. Es uno de los temas de lo que hemos estado hablando últimamente. Es increíble que después de tantos años de escuchar estas canciones continúe sucediendo, pero es así. El arranque de la función establece los códigos del resto del espectáculo. Es casi como un ritual, un momento de vital importancia que va acompañado de una música que perdurará por su maestría y la iconografía que la acompaña.

 

MAG: ¿Qué es lo que más le gusta de Cabaret y qué ha descubierto de este espectáculo poniéndose en la piel del maestro de ceremonias?

IL: Me gusta la complejidad del libreto, de los personajes. Me gusta que demuestre que un musical puede no ser un mero entretenimiento banal, que es a lo que nos estaban acostumbrando las franquicias que hemos podido ver en el país los últimos años. Cabaret es una obra de texto con un contenido profundo, un mensaje claro y contundente, acompañado de unas canciones con una partitura espléndida. ¿Qué más se puede pedir como intérprete y como espectador? Por eso es un clásico. Cabaret se puede hacer de muchas formas, pero está tan bien escrito y su arquitectura está tan bien pensada que lo hagas como lo hagas funcionará.

Lo que más me gusta como Maestro de Ceremonias es tener la responsabilidad de implicar al espectador como parte activa en el viaje de la función. Es tu misión llevarle con éxito desde el punto de partida hasta el gran final, y de que se quede con la boca abierta, de llegar a su alma, y de que salga del teatro modificado de como ha entrado. Y en realidad esa es la misión del teatro, del arte. Mover y conmover. Es un privilegio tener esta responsabilidad y poder dejar tu huella artística y tu visión personal en ello.

 

MAG: Antes de Cabaret, le hemos podido ver actuando en muchos musicales, ¿qué tienen los musicales que le fascinen tanto? Por curiosidad, ¿cuáles son sus favoritos?

IL: El musical demanda el control de muchas disciplinas por parte del intérprete. El dominio de ellas o del conjunto determinará el grado de responsabilidad que tengas en un musical. Siempre me he movido por retos. Superarlos y superarme a mi mismo y demostrarme que los límites son algo autoimpuesto son unos de los motores que más me activan, me hacen sentir vivo. Pero disfruto tanto del teatro de texto como del musical, de la televisión como del teatro o el doblaje… Todo tiene su propia disciplina y aprender de cada una, alimenta al resto: te hace mejor intérprete, tienes más herramientas y te hacen poder trabajar de forma más minuciosa.

Me gustan muchos musicales. Entre ellos, y no por dar más coba, siempre ha sido Cabaret, pero también otros como All That Jazz (la película) o Company. Me interesan los musicales con libretos y partituras trabajados y complejos que no se queden en el mero entretenimiento, que tengan realmente algo que contar, algo que te mueva, te modifique.

 

¡Muchas gracias, Ivan! 🙂

 

 

No os perdáis el regreso de Cabaret en Barcelona, podéis comprar las entradas en la página web oficial del Teatre Victòria.

Entrevista a Elena Gadel, actriz protagonista de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

Sally Bowles es uno de los personajes más populares de la historia del teatro musical. Son muchas las actrices que han interpretado este papel como Liza Minnelli, Michelle Williams, Emma Stone, Sienna Miller, Judi Dench, Samantha Barks y, en el caso de España, incluso Marta Ribera, Nina, Natalia Millán y Cristina Castaño. Ahora es el turno de Elena Gadel, quien seguro que estará maravillosa, no lo dudamos. Hemos podido hablar con ella para conocer cómo se está preparando para este papel.

 

MUSICALS ARE GREAT: Sally Bowles es un personaje icónico, ¿cómo se está preparando para interpretar este papel, qué significa este personaje para su carrera?

ELENA GADEL: Sally Bowles es un personaje icónico, es cierto. Me he preparado con Federico Barrios, el director de Cabaret, dejándome llevar totalmente por sus indicaciones y por sus ejercicios. El hecho de ensayar conjuntamente con Bernat Mestre (el actor que interpreta a Cliff) hace que Sally crezca mucho porque Cliff no es nadie sin Sally y Sally no es nadie sin Cliff. Además, he visto la película una vez, porque no he querido obsesionarme tampoco con interpretaciones como las de Liza Minelli, quería que me sirviese un poco para poder absorber todo lo que podía de su personaje pero buscando la Sally que interpretaría yo misma. Soy muy afortunada por contar con el director, que es fantástico.

Yo creo que para mi carrera será un empujón. Si bien hablamos de Liza Minelli, en realidad, han sido muchas las actrices que han interpretado a Sally Bowles. Es un personaje que si te gusta trabajar en musicales y puedes trabajar en ellos, si se te ofrece la oportunidad de actuar en Cabaret la opción del “no” ni se puede contemplar. Tanto el Maestro de Ceremonias como Sally son dos personajes que son un lujazo de interpretar por muchísimas razones. Para empezar, porque Sally es un personaje súper imprevisible, tiene millones de capas y va de extremo a extremo y eso lo hace mucho más rico y más bombón.

 

MAG: Al hablar de Cabaret, todo el mundo recuerda a Liza Minelli en la adaptación cinematográfica del musical, ¿siente presión? ¿Se ha inspirado en la película para construir su personaje?

EG: No siento presión, quizás soy una inconsciente de la vida, pero no siento presión.

Siento que Sally es un personaje muy rico y gracias a Federico Barrios lo he podido trabajar desde mi misma, sin pensar en los referentes que hay… Más que sin pensar, sin obsesionarme, porque está claro que es importante absorber de cada uno de ellos lo que mejor le va a uno. He podido extraer la Sally de Elena y entonces es muy auténtica. Hay veces que intento potenciar más una parte que otra, puesto que Sally a lo mejor tiene más una parte que otra (que no es Elena ni mucho menos), pero siempre desde lo que le nace a mi persona, entonces eso hace que Sally sea muy ella misma.

Vi la película una vez para saber cómo era, pero me he inspirado en, sobre todo, las órdenes del director.

 

MAG: ¿Qué es lo que más le gusta de esta producción y qué está aprendiendo de esta experiencia?

EG: ¡Son tantísimas cosas! La vi en Alicante, vimos un doblete con Ivan Labanda y me quedé maravillada porque se han trabajado muchísimo todos los personajes y como espectador es muy fácil llegar a empatizar con alguno de ellos porque todos y cada uno de ellos reacciona a lo que está ocurriendo de una forma diferente y todas las maneras son lícitas. Entonces, no te da por juzgar ninguna reacción ni ningún personaje, simplemente te crea espejo uno de ellos o dos. A mi de esta producción debo decir que me gusta todo y sobre todo cómo se ha intentado trabajar los personajes desde el propio actor.

 

MAG: ¿En qué se parece Sally Bowles a usted?

EG: En muchas cosas. Sally tiene una parte de mujer fatal que yo tengo de vez en cuando. Luego, tiene una parte muy sexual que en eso me reconozco. Tiene una parte imprevisible, que en eso no me reconozco tanto. Soy una mujer más sencilla, ella es bastante complicada y difícil de complacer. Tiene una tristeza interior escondida que siempre oculta. En eso tampoco me reconozco, pero podemos decir que sí en esta pequeña parte de niña pequeña, que a veces le sale; pero ya te digo que a Sally le sale mucho menos que a mi.

 

MAG: ¿Cuál es su canción favorita del espectáculo, en qué momento disfruta más?

EG: Todas, todas, todas. No quiero pensar en cuál es mi favorita, todas son preciosas y todas tienen su toque maravilloso, entonces, claro, ¿qué te gusta más de Sally, su tristeza o su locura? Pues las dos, me encanta cuando por fin saca el cansancio que tiene y me encanta cuando está “ loca”. De Sally amo todo su personaje y de la obra también, todos sus momentos son fantásticos.

 

¡Muchas gracias, Elena! 🙂

 

No os perdáis el regreso de Cabaret en Barcelona, podéis comprar las entradas en la página web oficial del Teatre Victòria.

Entrevista a Federico Barrios, director de Cabaret en el Teatre Victòria de Barcelona

Cabaret ya se ha estrenado en Barcelona. Es uno de los musicales más populares del teatro, con unos ingredientes que lo hacen perfecto para el público: el contexto histórico, una historia tierna y triste, personajes fuertes y divertidos, una partitura excelente y unas letras ingeniosas. En Musicals Are Great estamos muy entusiasmados con el regreso de Cabaret a Barcelona y afortunadamente hemos podido entrevistar a Federico Barrios, su director, y a Ivan Labanda y Elena Gadel, los dos actores protagonistas. De este modo, hemos podido conocer desde su punto de vista cómo están viviendo este gran proyecto.

 

MUSICALS ARE GREAT: ¿Cómo surgió la idea de que Cabaret regresara a Barcelona?

FEDERICO BARRIOS: Después de un gran estreno en Madrid en octubre de 2015, después de ganar 8 Premios Teatro Musical y tras la gira por toda la geografía española en la temporada 16/17, Barcelona era la gran ciudad que faltaba, y por eso se buscó el mejor momento para traer Cabaret. Un gran elenco y el gran despliegue hace que esta nueva producción de Cabaret esté a la altura del público de Barcelona.

 

MAG: ¿Porqué cree que las nuevas generaciones deberían descubrir esta historia?

FB: Porque es un gran texto, unas grandes canciones y es parte de la cultura musical y teatral contemporánea. Una historia que cuenta una época, unos sueños, unas necesidades, que aún siguen siendo vigentes. Para las nuevas generaciones, descubrir Cabaret es regresar y vivir un pasado y unos sueños que marcaron al mundo.

 

MAG: ¿Cómo es esta producción y en qué se diferencia de los demás montajes de Cabaret que se han realizado en España?

FB: Cabaret esta basado en la versión original de 1966, dirigida por Harold Prince. Este nueva versión de Cabaret es luminosa, transgresora y soberbia. Un trabajo actoral que hace que el texto siga vivo, en el cual las canciones acompañan a los protagonistas a través de este Berlín de los años 30.

 

MAG: Cabaret ocurre en Berlín durante los años 30, ¿qué temas de la historia siguen siendo actuales en 2017?

FB: Los conflictos políticos, la discriminación, el miedo y la incertidumbre.

 

MAG: Usted ha dirigido muchos musicales en España, pero puestos a imaginar, ¿qué musicales de Broadway desearía poder ver en nuestro país?

FB: Desearía ver: West Side Story, Sunset Boulevard, A Chorus Line, Wicked, Anything Goes, If/Then, In the Heights.

 

¡Muchas gracias, Federico! 🙂

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Entrevista a Lucía Torres, Adrián Rodríguez y Paula Berenguer, actores protagonistas de ‘Invisible’, un musical original en el Eixample Teatre

El elenco de 'Invisible': Lucía Torres, Adrián Rodríguez y Paula Berenguer

El elenco de ‘Invisible’: Lucía Torres, Adrián Rodríguez y Paula Berenguer

El próximo 7 de marzo llegará un nuevo musical a la cartelera de Barcelona: ‘Invisible’, dirigido por Alícia Serrat, con texto de Sílvia Navarro, música de Ernest Fuster y producido por Toni Luque. A mi el planteamiento me cautivó:

‘Imagina tu memoria como pequeños cajones dentro de tu cerebro. Dentro de cada cajón un recuerdo, una foto. Una foto que con el tiempo va perdiendo nitidez y color. Imagina que pudieras volver a tomar esta foto, con otras personas. Imagina que puedes olvidar. Que te puedes reinventar. Imagínatelo. Ahora, WhiteInk te ofrece esta oportunidad.’

Estará protagonizado por Lucía Torres (‘Scaramouche’), Adrián Rodríguez (‘Tu Cara Me Suena’) y Paula Berenguer (‘Ushima next’) y he podido hablar con ellos sobre qué nos podremos encontrar cada noche en el Eixample Teatre y qué supone para ellos este nuevo reto profesional.

Aquí os dejo con la entrevista. ¡Muchas gracias por vuestro tiempo, os deseo lo mejor con esta nueva experiencia y todos los proyectos que estén por llegar!

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Cesar: ¿Cómo van los ensayos y los nervios a pocos días del estreno de ‘Invisible’?

Paula Berenguer: Los nervios de momento, están bastante calmados, pero es el resultado del proceso intenso de trabajo en los ensayos y de compromiso con el proyecto, hay muchas ganas, ilusión y pasión poniéndose en el asador.

 

Lucía Torres: Los ensayos son muy intensos, ya que al ser solo tres actores el peso de la obra recae en los tres. Estamos en escena prácticamente siempre. Eso es un gusto, la verdad. Te permite vivir la historia plenamente, la de tu personaje y la de los otros dos, que al final configuran tu propia historia, claro.

Personalmente, nervios ahora mismo no siento. Siento mucha responsabilidad, eso sí, ya que el hilo que lo une todo es Alex, el personaje que interpreto. Un bombón cargado de contradicciones, egoísmo y sensibilidad.

 

Adrián Rodríguez: Para mi esta siendo todo un reto desde el minuto uno, los días son muy intensos y hay que dar el máximo nivel, poco a poco estamos haciendo de esto algo increíble…  hay muchísimas ganas de ver como reacciona el público con esta magnífico proyecto, cuidado y mimado por todo el equipo.

 

C: ¿Cómo ha sido el desarrollo y proceso de creación de este musical?

Paula Berenguer: Tras las cabezas creativas y pensantes de Toni Luque como productor y Sílvia Navarro como dramaturga, se fusionó una mezcla común de ideas y una temática concreta y poderosa, “la memoria y  el olvido” , juntamos esa mezcla con la música de toques pop rock al más puro estilo musical contemporáneo compuesta por Ernest Fuster, que al ser actor juega en favor de la historia y los actores de una manera muy elegante y acertada. Y todo esto con las decisiones y elecciones que un director para contar la historia debe apostar por tomar en las escenas, que Alícia Serrat lleva a cabo con fuerza y entrega. Un equipo junto a los actores que trabaja respaldado y cuidado tras la importante figura del productor, que apuesta por mantener digna la profesión, Toni Luque.

 

Lucía Torres: Una pasada… Sonará muy tópico, pero guau, qué afortunada me siento. Estoy en muy buenas manos. Tener cada día a Alícia Serrat dirigiendo el cotarro es una maravilla. Le da la vuelta constantemente a las escenas y ello le da el toque que necesita; la humanidad de la propia vida, lo complejos que somos las personas, la manera peculiar de relacionarnos… Decimos negro y queremos decir azul marino con destellos… Esas cosas. Tener a Sílvia Navarro -la dramaturga- cada día es otra de las grandes suertes. La obra nace de ella y nadie mejor que ella sabe cómo son Alex, Noah y Sasha.

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C: En este musical tan solo actúan tres personajes, ¿cómo os estáis preparando para llevar toda la historia entre vosotros tres?

Paula Berenguer: Pues esto un partido de tenis entre tres, sólo que es un doble contra uno… para llevar a cabo esta obra se requiere mucho trabajo,  concentración, esfuerzo e intentar aprovechar al máximo los ensayos. El ritmo es vertiginoso y muy importante en la obra. Lo compararía como una montaña rusa, una vez estás arriba viene la vértigo-bajada, los loops que son la trama y el descanso final.

 

Lucía Torres: Pues con mucho amorcito la verdad, y mucha fuerza, mucho tirarse a la piscina, apoyarse en uno mismo y en el otro. Confiar. Confiar es la base (de la vida!)

 

Adrián Rodríguez: Esta siendo genial porque nos llevamos muy bien y eso es muy importante. Son muchas horas juntos matizando cada detalle y tenemos que apoyarnos y entendernos unos a otros.

 

C: ¿Me podéis explicar un poco cómo son vuestros personajes?

Paula Berenguer: Mi personaje es Sasha, psiquiatra y trabajadora de la empresa WhiteInk, es la encargada de guiar las terapias de ambos pacientes, Noah y Alex. Con una personalidad un tanto introvertida, se desvive por su trabajo, WhiteInk para ella es una grandísima oportunidad para demostrar que vale, sabe que este proyecto puede ayudar a cambiar el mundo.

 

Lucía Torres: Alex es una sensual leona apisonadora provocadora. Es el centro de atención aunque no quiera serlo. Para mi su principal característica es su sentido del humor. Es de ese tipo de personas que le quitan hierro al asunto constantemente. Es la fuerte. La que aparenta que no le pasa nada aunque por dentro llore. Es salvaje. Le importa tres pepinos lo que piensen de ella. Es honesta. Disfruta descolocando al personal, tiene un gran ego. Es un disfrute…

 

Adrián Rodríguez: Noah, un chaval rico joven que al parecer descubriremos que la vida no le va nada bien por muchas cosas, WhiteInk? Su solución?

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C: ¿Cómo suenan las canciones, hay alguna que os guste especialmente?

Paula Berenguer: Suenan a una historia que contar, hay mucho gusto musical, y a nivel interpretativo son una gozada!! Especialmente…. a ver … amo ‘Pedacitos’!!!

 

Lucía Torres: Hay temas que realmente tocan el corazoncito. Ernest Fuster así lo ha hecho posible. El tema que da nombre a la obra, ‘Invisible’, es un temazo de los de toma ya. Un placer cantarlo e interpretarlo. Te transporta él solito. Otro de los temas que interpreto, ‘Caída’, es un gusto actoral. Te permite hablarlo prácticamente. Ahí está la clave para mí del cantar en el teatro: que nadie “se de cuenta” de que has empezado a hacerlo.

 

Adrián Rodríguez: Suenan todas increíbles! Todos son temazos de Ernest Fuster y Sílvia Navarro.

 

C: ¿Cómo creéis que va a reaccionar el público?

Paula Berenguer: Sinceramente no tengo ni idea, sólo espero que le fascine tanto como me fascinó a mi la primera vez que la leí, y es más te diría que ahora, después de verla montada, es de esas obras.. que te quedas un rato clavado en la silla por que te ha removido por dentro y no sabes ni porqué.

 

Lucía Torres: Es un misterio. Un verdadero misterio. El corazón me dice que muy bien, que van a entrar fácilmente y que se van a sentir identificados con el drama de los personajes. Hay mucha ternura en toda la obra, flotando, y seguro que va a poder ser recibida y acogida.

 

Adrián Rodríguez: Es algo que tampoco imagino… es algo totalmente diferente y impactante. Créeme estoy ansioso.

 

C: A parte de ‘Invisible’, por supuesto, ¿hay alguna obra de teatro o musical que recomendéis ver en Barcelona?

Paula Berenguer: Llevo tres semanas en Barcelona, y vi el ‘Spring Awakening’ (El Despertar De La Primavera) a mi me gustó especialmente mucho! Pero ya no la hacen…. no sep…

 

Lucía Torres: Justamente ahora han terminado muchos compañeros que estaban haciendo joyas, cómo “El Despertar De La Primavera” dirigido por Marc Vilavella o “El petit príncep“. Siempre podéis ir a ver a mis compis a “Scaramouche” a disfrutar de la capa y espada! Y recomiendo el nuevo trabajo de Marc Chornet, “Yerma“. Estrenan en breves en el Teatre Akadèmia. Aún no lo he visto, pero todo lo que hace Marc me traspasa la piel.

 

Adrián Rodríguez: ‘Invisible’. jajajaja

No olvidéis de comprar vuestras entradas en la página web oficial de ‘Invisible‘.

Cesar

Entrevista a Alícia Serrat y Toni Luque, directora y productor de ‘Invisible’, un musical original en el Eixample Teatre

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El próximo 7 de marzo se estrena en el Eixample Teatre el musical ‘Invisible’, un espectáculo original dirigido por Alícia Serrat, con texto de Sílvia Navarro, música de Ernest Fuster y producido por Toni Luque. Es una composición nueva, rompedora y con un planteamiento tan interesante que estoy seguro de que no dejará indiferente a nadie. Estará protagonizado por Paula Berenguer, Adrián Rodríguez y Lucía Torres. Tiene muy buena pinta y, con este tremendo equipo, ¡yo me muero de ganas de verlo!

He tenido el gran privilegio de poder indagar un poco más sobre el espectáculo entrevistando a Alícia Serrat, directora del musical y una de las personalidades más reconocidas del teatro musical en España, y a Toni Luque, bailarín profesional que se estrena en el ámbito de la producción por todo lo alto con ‘Invisible’. Antes que nada, quiero agradecerles la oportunidad de poder hacer esta entrevista y conocerles un poco más.

Aquí os dejo la entrevista sobre ‘Invisible’ y, por supuesto, como no podía ser de otro modo, sobre musicales. ¡Disfrutad!

El equipo creativo de 'Invisible': Ernest Fuster (composición y dirección musical), Sílvia Navarro (dramaturgia y ayudante de dirección), Alícia Serrat (dirección) y Toni Luque (productor)

El equipo creativo de ‘Invisible’: Ernest Fuster (composición y dirección musical), Sílvia Navarro (dramaturgia y ayudante de dirección), Alícia Serrat (dirección) y Toni Luque (productor)

Cesar: ‘Invisible’ es un espectáculo nuevo, ¿de qué trata, qué nos vamos a encontrar cada noche en el Eixample Teatre?

Alícia Serrat: ‘Invisible’ es una obra que trata sobre los recuerdos y como éstos afectan a nuestra identidad. Habla también de temas como la soledad o el peso de la fama.

Es la historia de Álex y Noah, dos personajes aparentemente muy distintos entre sí, que reciben un tratamiento en White Ink a manos de Sasha, una psiquiatra que trabaja en ésta clínica en la que se ha descubierto la manera de manipular los recuerdos y por lo tanto la manera de manipular lo que ha sucedido en la vida.

Lo que la gente encontrará en el Eixample Teatre a partir del 3 de Marzo es un espectáculo musical íntimo, de mediano formato, de creación original y con una historia con muchas capas y de una profundidad destacable dentro del genero del musical. Y sobretodo encontrará una historia con la que pueden conectar.

Que nosotros sepamos, a día de hoy, no es posible manipular los recuerdos, pero sí que creo que todo el mundo o casi todo el mundo en algún momento de su vida ha tenido esta necesidad o este deseo de poder olvidar alguna cosa que le ha pasado, incluso llegar a olvidar una persona que se ha cruzado en su vida.

 

Toni Luque: Nos vamos a encontrar una historia que envuelve. Un conjunto de emociones que tienen la intención de removernos y reflexionar sobre nuestra historia personal y nuestra manera de enfrentarnos a ellas. Es muy importante para mi explicar historias con la que la gente se pueda sentir identificada y aunque no la haya vivido concretamente sea capaz de comprender.

En este espectáculo una de las primeras notas que le di a la dramaturga, Sílvia Navarro, fue que quería hablar sobre la soledad.

 

C: ¿Qué referentes tiene ‘Invisible’?

Alícia Serrat: A nivel formal a mí me ha inspirado mucho la serie británica ‘Black Mirror’, que trata sobre la influencia que tiene la ciencia y la tecnología en nuestra sociedad. En cuanto a referentes sobre la historia habría que preguntarle a su creadora.

 

Toni Luque: Pues tiene muchos referentes tanto musicales como cinematográficos. Pero Sílvia Navarro tendrá sus propios referentes personales. Lo que a mi me inspiró a pedirle a la dramaturga (Sílvia) que escribiera este encargo fue la canción “You don’t own me” interpretado por Brenna Whitaker.

 

 C: ¿Cómo nació este espectáculo?

Alícia Serrat: El espectáculo nace directamente de una inquietud y una propuesta del productor Toni Luque, que un buen día decide que tiene ganas de aportar algo a la industria teatral y reúne a un equipo de gente que no había trabajado hasta ese momento junta. En este caso propone a Sílvia Navarro la dramaturgia, a Ernest Fuster la composición musical, y a mí me propone la dirección del espectáculo.

 

Toni Luque: Yo había sido bailarín toda la vida. Y después de muchas operaciones ya no podía seguir con esa carrera. Así que decidí que era hora de cumplir otros sueños, siempre relacionados con el mundo del espectáculo. Ese fue el momento en el que tomé la decisión que mi carrera cómo bailarín había terminado y era hora de intentar aportar algo al mundo del espectáculo de lo que había aprendido en tantos años. Contacté con los miembros del equipo y les propuse esta idea. A partir de ahí he hecho el seguimiento de todo el desarrollo pero ellos siempre han tenido libertad para crear el espectáculo con el que se sintieran orgullosos.

 

C: La ciencia ficción no suele ser un género muy habitual en el teatro musical, ¿por qué para explicar esta historia se ha decidido que los personajes canten?

Alícia Serrat: Es cierto que la ciencia ficción suele ser un género al que estamos muy acostumbrados en cine y en novela, pero que es poco común en el género musical. A mí precisamente una de las cosas que más me llamó la atención del proyecto fue precisamente eso: el conducto a través del que se contaba esta historia, es decir con tintes fantásticos y que estuviera centrado en un tema central con tantas capas.

La única diferencia entre una obra de texto y un musical, es que en el caso de la segunda, las canciones se usan para contar parte de la historia. Personalmente creo que cuando un personaje se pone a cantar (aunque eso es precisamente lo que no convence a los detractores del género) conecta de una manera totalmente distinta, más visceral quizás, con la emoción del espectador.

 

Toni Luque: El género musical me apasiona. Tenía claro que cualquier espectáculo que produjese tenía que ser musical. Pero no por eso la historia tenía que ser menos fuerte. La música llega de una manera directa y sin filtros dónde la palabra a veces no llega. Nos atrapa de una manera inconsciente y nos va moviendo de un lado a otro a medida que se desarrollan las notas musicales. Al final siempre la excusa es la misma: ¿Por qué cantan? Porque si. Porque nos encanta!!! jajajaja

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C: ¿Cómo se explica la historia con tan solo tres personajes, cómo se han preparado los actores para ello?

Alícia Serrat: Siempre he pensado que el hecho de explicar una historia con menos personajes no necesariamente quiere decir que se limite o pierda intensidad. Si hay un buen guión precisamente se consigue lo contrario, que es profundizar y contar muchas más cosas del recorrido de estos personajes.

Los actores se han preparado desde el respeto sobretodo y desde el cariño. Para mí es importante que el actor aprenda a respetar al personaje y de alguna manera quede fascinado con él. Pienso que una de las cosas más maravillosas que puede pasarle a un actor es interpretar a alguien totalmente opuesto a su manera de ser y que aún así acabe encontrando familiaridad y comodidad al ponerse en su piel.

 

Toni Luque: Sinceramente y desde el punto de vista del productor. Son 3 personajes porque son los que podía pagar. Quise ser realista y consecuente con mi filosofía. Y el encargo fue directamente para 3 personajes por temas de presupuesto. Me encantaría tener 10 actores y 5 músicos. Pero si no los puedo pagar no los quiero tener.

Los actores se han preparado muy a fondo para amar a sus personajes. Tienen admiración por ellos e intentan sacar lo mejor que tienen para defenderlos. Alícia Serrat los va guiando poco a poco hasta el punto exacto dónde ella quiere que estén Alex, Noah y Sasha. Es de agradecer que los actores estén entregados al 100% con el proyecto. Así es muy fácil trabajar.

 

C: ¿En qué situación está el teatro musical en Barcelona, consideráis que las compañías arriesgan y experimentan con nuevos formatos?

Alícia Serrat: En los momentos de crisis justamente es cuando más afloran los extremos. En este caso, el riesgo o el miedo. Es evidente que la subida del IVA cultural ha echo un daño terrible en el sector y es evidente también que gran parte de las grandes y pequeñas productoras intentan no arriesgar más de lo que ya han arriesgado. Ahora mismo quizás se va más con pies de plomo, y aunque es cierto que nadie tiene la fórmula magistral del éxito, hay algunos productos o algunas propuestas a las que cuesta más darle cabida.

Pero por otro lado existe también el panorama contrario, que son aquellas salas, compañías o productores que se arriesgan precisamente porque piensan que más ya no pueden perder. Por eso surgen formatos distintos, o propuestas arriesgadas… Los tiempos de crisis también son un buen caldo de cultivo para ideas y propuestas nuevas.

 

Toni Luque: El teatro musical está en auge ahora mismo. Una cosa increíble que ha sucedido estas navidades es que teníamos una oferta más amplia en Barcelona que en Madrid, cuando normalmente es al contrario. Surgen muchos musicales de pequeño y mediano formato. Todo se hace desde el cariño y el respeto. Normalmente las nuevas creaciones disponen de menos presupuesto. Y esto hace que aunque los espectáculos sean maravillosos las condiciones no acaben de ser las idóneas para todo el equipo. Por eso nosotros hemos apostado por el medio formato (cada vez menos común) dónde hay un buen nivel de producción pero nunca comparable a los grandes musicales.

 

C: Todo proyecto que sea nuevo supone un reto tanto personal como profesional para sus creadores y las personas implicadas en él, ¿qué aporta ‘Invisible’ a vuestras vidas y qué habéis aprendido de él?

Alícia Serrat: En mi caso “Invisible” supone un reto porque quizás estoy acostumbrada a trabajar en otro tipo de espectáculo y éste por primera vez es una obra en la que la temática, los personajes y las emociones que plantea tienen una densidad en la que me apetece mucho trabajar.

Creo que siempre es interesante ponerse a prueba y no quedarse estancado en aquello que se conoce más. La repetición es más limitada que la innovación. También sentía que era el momento de rodearme de un equipo nuevo, de gente con la que no había trabajado nunca. Esto siempre te da amplitud de miras y lleva de manera natural al aprendizaje.

 

Toni Luque: Supone mi debut como productor. Hasta el momento me aporta la idea de que se puede intentar hacer las cosas de otra manera. Siempre había estado interesado en el mundo de la producción. Cuando iba de gira en vez de ir con los bailarines iba con los técnicos y me interesaba por todo lo que hacían y todo lo que había en el teatro. Ahora encuentro cosas nuevas que no sabía que existían y otras cosas que no había planeado. Pero si hablas con honestidad y expresas que lo desconoces todo el mundo se abre en canal para ayudarte a entender ese tema que tienes atravesado. Somos una comunidad y estamos para ayudarnos los unos a los otros. Invisible ahora mismo supone las 24h de mis días.

 

C: Los dos sois aficionados de los musicales, me gustaría indagar un poco sobre vuestros gustos:

  • ¿Cuáles son vuestros musicales preferidos?

Alícia Serrat: La lista es muy larga. Es un género que me fascina y me pueden gustar cosas tan distintas como “West Side Story” o “Rent“. Y algunos descubrimientos más recientes son “Waitress” o “Dear Evan Hansen“. Creo que con inmediatez que da internet ahora es mucho más fácil estar al corriente incluso consumir música de este género.

 

Toni Luque: ‘Rent’. Cuando lo vi al cast español en el año 2000 quedé completamente prendado del género musical. Y ‘A Chorus Line‘, lloré como una magdalena cuando lo vi en el West End. Y actualmente hay muchísimos. Los americanos realmente saben producir grandes hits.

 

  • ¿Qué canción de vuestro playlist nunca saltáis? 

Alícia Serrat: Es cierto que me va un poco a épocas, pero desde hace unos meses estoy escuchando mucho “Waitress” porque coincide en este caso que además de disfrutar con los musicales soy una admiradora de la música de Sara Bareilles. Esta conjunción que se dió de que una de mis compositoras favoritas escribiera las canciones de un nuevo musical para mí fue un regalo.

 

Toni Luque: ‘She used to be mine de ‘Waitress‘.

No podría estar más de acuerdo, ¡qué maravilloso es 'Waitress'!

No podría estar más de acuerdo, ¡qué maravilloso es ‘Waitress’!

 

  • ¿Qué dueto os pone los pelos de punta?

 Alícia Serrat: Pues recientemente tuve la suerte de ayudar con la dirección de un concierto benéfico de duetos de amor de musicales que se hizo en el Teatre Victoria de Barcelona y pude escuchar algunos de los grandes duetos que se han escrito para musical. Es difícil también quedarse con uno. Hay duetos que son espectaculares a nivel musical, y otros que lo son a nivel emocional, por la letra, por lo que suponen en medio de la historia de la que forman parte. Por quedarme con uno y siendo un poco repetitiva diría el “Bad Idea” de Waitress, que me gusta mucho porque creo que ilustra muy bien la sensación que uno tiene que sabe está sintiendo algo que no debería sentir por otra persona, pero al mismo tiempo está deseando sentirlo.

 

Toni Luque: ‘I will never leave you’ de ‘Side Show‘.

 

  • ¿Qué compositores soléis escuchar?

 Alícia Serrat: Tengo debilidad por Jonathan Larson (‘Rent‘) y Alan Menken (‘Aladdin‘, ‘Hercules‘, ‘La Bella y la Bestia‘, etc.),  y más recientemente por Jason Robert Brown (‘The Last Five Years‘), Tom Kitt (‘Next To Normal‘), o Jeanine Tesori (‘Fun Home‘).

 

Toni Luque: Elton John creo que tiene una manera especial de crear grandes hits para musicales. Y me gusta mucho Pasek & Paul (‘Dear Evan Hansen‘ y ‘La La Land‘) ya están y darán mucho más que hablar.

 

  • ¿Hay algún musical que todavía no hayáis visto y estéis deseando ver?

 Alícia Serrat: Lamentablemente hay muchísimos. Pero me encantaría poder ir a ver el debut en Broadway de Sara Bareilles en “Waitress” a partir del 31 de marzo sustituyendo a Jessie Muller. Me gustaría también poder ir a ver ‘Hamilton’ y ‘Dear Evan Hansen’.

 

Toni Luque: ‘Waitress sin duda!!!

 

Ya podéis comprar vuestras entradas en la página web oficial de ‘Invisible‘.

Cesar